Hola Querides,

¡Llegó el verano!

Junio llega con proyectos nuevos, anécdotas del año y cosas que quiero compartir con ustedes.

Mayo marcó el cierre de mi primer año como profesora en la Universidad del Sagrado Corazón, y lo celebramos en grande. El equipo y yo terminamos el semestre con una pasarela y dos ferias de indumentaria que, a partir de ahora, serán parte permanente del currículo de moda. Un logro que tomó trabajo colectivo, y que vale la pena nombrar.

Este verano sigo en modo activo: estoy ofreciendo cursos a nivel subgraduado y en educación continua, y hay una misión comercial a Colombia que si tienes interés en moda, no puedes dejar pasar.

Todo eso y más, en esta edición.

¿Por qué Diseño para Fabricación?

Este cuento va así:

En el verano del 2010 yo era una diseñadora desempleada — porque había renunciado a mi trabajo, despertado conciencia sobre lo dañina que era la industria de la moda para el planeta, y decidido que la solución era obviamente fundar mi propia marca — en mis veintes, en plena recesión económica. Muchas de mis amigas seguían sin trabajo. Y a mí se me ocurrió que, sin dinero, sin equipo, con cinco años de experiencia trabajando para marcas en Nueva York que nunca habían pisado una semana de la moda, era el momento perfecto para lanzar una marca de ropa sostenible y debutarla en el New York Fashion Week.

La lógica era impecable.

Cuando se lo conté a mi familia, a mis amigues de la diáspora puertorriqueña en Nueva York y a los de la isla — arquitectas, maquillistas, estilistas, vestuaristas, artistas y diseñadores — y en vez de decirme "loca, siéntate", me dijeron: ¿qué necesitas? Lo que vino después fue una labor de amor que todavía me cuesta describir.

En el sótano de mi apartamento en Sunset Park, Brooklyn — andanzas que, por cierto, quedaron documentadas en un episodio que le ganó un Emmy en el 2012 a Cuny Tv.

Diseñé 25 vestuarios para pasarela — hombre y mujer, largos y cortos, anchos y estrechos. Seda, algodón orgánico, cáñamo, poliéster reciclado. Dobbies, canvas, jerseys, encajes. Hasta un estampado inspirado en Toño Bicicleta, diseñado por mi tocaya y amiga Raquel Berrios. Todo lo que aprendí en Moore College of Art and Design, puesto en una colección. Todo.

Curiosamente, las amigas de la universidad — las que más sabían de moda — fueron las menos entusiastas. Ninguna era puertorriqueña, y creo que ahí está la diferencia: los puertorriqueños tenemos esta necesidad casi instintiva de reclamar espacios donde no estamos visibles. Es una de nuestras maneras de resistir en la colonia. Ellas entendían perfectamente la magnitud de lo que estaba intentando hacer — quizás por eso callaron. El resto de mis amigues, los que no sabían nada de fashion weeks ni de producción textil, dijeron que sí sin pensarlo dos veces. Porque a veces la ignorancia no es solo atrevida — es generosa.

Para financiarlo, lancé una campaña en Kickstarter — sin saber muy bien ni cómo. Pueden reírse, aquí está la evidencia. El video lo editó mi hermano desde Puerto Rico, porque claro, ¿quién más?

La colección incluía accesorios — porque imagínense como no — sombreros y correas tallados de la raíz del árbol de cupey por el maestro artesano Isaac Laboy, quien dicho sea de paso, no me cobró ni un centavo al principio, aunque eventualmente llegamos a un acuerdo de pago, porque gratis no las iba a aceptar jamás. Lo más probable es que cuando mi mamá y mi hermano llegaron al barrio Charcas en Quebradillas a pedirle el favor, la idea de "reinventar la pava" para una pasarela en Nueva York le haya dado un ataque de risa y medio. Doce pavas, cuatro correas. Una semana. Las hizo.yería la diseñó Luiny con retazos de tela teñidos por Colibrí Textiles, una de las casas de textiles más antiguas de Nueva York.

$5,732 dólares recaudados, 109 donantes — y allí estaba yo. Con tres semanas para cortar y coser más de 40 piezas, sin taller propio — a menos que cuenten mi Kenmore casera y mi escritorio de IKEA como infraestructura formal. Mi única salvación fue Josefina: patronista, modista y, bendito, vecina a cuatro casas de distancia. Su taller se convirtió en mi segundo hogar, donde me amanecí hasta el día antes del show.

Como dos semanas y media antes del show, mi compinche Glori me dice: "Aura, yo creo que debemos traer más gente para poder terminar." Ella veía lo que yo no quería ver — sin ayuda, esto no iba a salir. Glori es la mejor project manager de situaciones complicadas y emocionalmente cargadas que he conocido en mi vida. Tiene ese don raro de ver el caos con claridad y no entrar en pánico. Yo claramente no lo tenía.

Corte directo: su mamá Marta llegó desde Puerto Rico — sí, Glori le pagó el pasaje a su mamita, que también cose, para que viniera a ayudarnos. Mi mamá llegó también. Y entre Josefina, Glori, Marta, mi mamá y yo, se fue armando el equipo. A ellas se sumaron personas clave: Mayumi Yamada, costurera japonesa experta que cursaba sastrería en Nueva York; Zaida Goveo Balmaseda, estudiante de FIT, puertorriqueña y talentosísima artista textil; Jennifer McGregor, escocesa recién graduada de cursos de moda en España, quien eventualmente se convertiría en mi socia comercial e inspiraría la única colección de otoño que diseñé bajo la marca. Todas haciendo sus prácticas en mi recién nacida "marca de moda."

El día del show, mi mamá terminó de coser el último traje a las 11pm — interpretando, mejor que nadie, lo que era francamente un garabato. No muy diferente a los "inventos" que le dibujaba de niña para que me los cosiera. Ese traje fue el que más prensa obtuvo. Lo cosió ella, dos horas antes de salir hacia Manhattan. Se llama Antonia, como ella.

Días antes del show — y los que saben de moda van a entender esto — además de necesitar los 25 looks terminados por fuera, aunque por dentro fueran cuestionables, necesitábamos música, accesorios, zapatos, auspiciadores, goodie bags y el styling completo. Al rescate llegó la grandiosa Johana Laracuente, (quien se merece un boletín, solamente de su trayectoria artística) estilista de las estrellas, quien hizo todo el styling del show. Toms nos auspició los zapatos. No me juzguen — era el 2010, cuando todos creíamos que la moda sostenible era posible dentro del capitalismo y el modelo "one for one" solucionaba alguito.

El show fue todo un éxito. Tuve notas de prensa que jamás imaginé: WWD, (el unico periodico diario al que me suscribi mientras viví en NYC, lo leia religiosamente) Elle Turkey, Vogue Italia, The Guardian. y gracias a la periodista y amiga Nuria Net hasta un reportaje completo en el NY Daily News tuve.

¿Qué pasó después? Pensarías, querido lector, que las semanas siguientes al show yo estaría ocupadísima — con toda esa prensa, llenando órdenes, colocando la colección en todos los puntos de venta posibles.

NO.

Porque el día después del show, colapsé. Desgaste físico épico, fiebre, infección de sinusitis — el sótano donde vivía estaba eternamente lleno de hongos, como era de esperarse. No pude hacer nada que no fuera recuperarme durante una semana entera.

Cuando salí de esa semana de catacumba y empecé a devolver llamadas, el panorama era este: querían prestar las muestras del show para photoshoots en editoriales de revistas de moda por todo el país. Las allegadas que vestían talla 4 querían comprarlas todas. Las tiendas y showrooms querían saber si la marca tenía representación con mayoristas y dónde podían ver la colección de cerca para evaluar si la comprarían.

El punto de diseñar ropa es exactamente ese. ¿Y qué pasó?

NADA.

Esas muestras no estaban listas para ser evaluadas por un comprador aunque en pasarela se retrataron divino. Y de las ventas es que vivimos los diseñadores — no de la prensa, no del glamour, no de los aplausos. De lo que se vendió. Y yo no había vendido nada todavía. ¡Nada!

Eventualmente sí vendí. Hice pop-ups en Puerto Rico, trunk shows en Nueva York, entré a tiendas, ferias de indumentaria, boutiques. Pero de esos 25 looks, solo produje alrededor del 10%. El resto nunca pasó de muestra — porque desarrollar un diseño en producto vendible cuesta: escalados de tallas, patrones digitalizados y corregidos, muestras iteradas hasta que los fits sean consistentes, inversión en telas y avíos. Con tantas piezas distintas y tan poco margen, algo siempre cede. La ropa de hombre nunca la desarrollé. Y perdí un momento crucial de ventas por haber diseñado para una pasarela — no para fabricar.

Pensé en el show como el fin. Era el medio.

Siete años después, trabajando en una fábrica, entendí lo que ningún curso universitario me pudo enseñar. Y de esa experiencia — y de otras que no caben en este boletín y se quedarán para otro — es que educo. Es que diseño. Es que colaboro. Ya sea con estudiantes de bachillerato, con adultos en educación continua en FIT, o como consultora, siempre hago el mismo puente: el que conecta lo que se imagina con lo que se puede producir.

Esa es exactamente la razón por la que educo para fabricación.

Diseño y Producibilidad en Quna

La programación está brutal. Las clases son con colegas y amigos que admiro profundamente: Costura Básica con el diseñador Edwin Muñiz, Bordado con Héctor Omar, Corte y Confección con la mismísima Nasheli. Y por supuesto — yo voy a ofrecer Diseño y Producibilidad.

Un curso de 8 semanas, dos horas por sesión, donde aprenderás a llevar tu idea, tu diseño, tu línea a un producto comunicable, producible y entendible para una fábrica — sin que tengas que estar presente aclarando dudas. Porque tus patrones, tu documentación y tu diseño van a estar tan bien ejecutados que será fácil cotizar la orden, hacer una muestra y pasar a producción. Escríbele a Quna para inscribirte.

"Master Class" y Misión Comercial a Colombia

Mi amiga, socia y colega Ruby lleva más de 15 años construyendo una alianza sólida con Inexmoda — la organización que mueve la industria de la moda en Colombia. También lidera misiones comerciales a las principales ferias del país para personas interesadas en producir indumentaria, accesorios, textiles e interiorismo. Su práctica tiene sede entre Puerto Rico y Medellín, y cuando la misión es textil, yo me sumo.

Además de las ferias, Ruby organiza tours de fábricas y proveedores en fechas satélites — y a veces juntamos clientes con necesidades similares para pasar una semana entera entre proveedores y fábricas, aunque no haya feria. Medellín es el epicentro de moda y producción de Colombia, así que siempre hay dónde ir y con quién hablar.

El problema que vemos en cada misión, sin falta, es el mismo: clientes emocionados, llenos de ideas, convencidos de que saben lo que buscan — que llegan a Colombia sin los fundamentos para aprovechar el viaje. No porque sean descuidados, sino porque no saben lo que no saben. ¿Cuáles son los tiempos reales de producción? ¿Cómo funcionan los aranceles? ¿Qué documentación necesita tu diseño para que una fábrica pueda cotizarte? ¿Qué es negociable y qué no? ¿Qué pasa cuando llegas con una idea en la cabeza y sin un tech pack en la mano?

Tenemos cuentos para cinco años de boletines exclusivamente sobre el tema.

Así que lo decidimos: las próximas misiones en las que colaboremos van a incluir una master class obligatoria — aquí en Puerto Rico, antes de montarse en el avión. No es un extra. Es el punto de partida. Porque una misión comercial sin preparación técnica es turismo industrial con boleto de ida.

El panel lo integramos una abogada, una representante de ProColombia, una fábrica colombiana, Ruby y yo.

¿Adivinen de qué voy a hablar yo, además de sostenibilidad y economía circular?

Diseño para Fabricación. El 26 de Junio, escríbeme si quieres participar.

Verano @ Sagrado: Diseño para Fabricación.

¿Tienes un proyecto que quieres desarrollar sosteniblemente? Hablemos.